La sección Lecturas recomendadas, que de manera periódica ofrece El
Anexo/Arte Contemporáneo a sus seguidores, se propone comentar publicaciones
impresas (libros, catálogos, revistas) donde aparecen artículos, proyectos y
entrevistas de artistas, así como textos teóricos sobre problemas de la
visualidad contemporánea, centrados en la relación entre el arte y sus
contextos.
9 de agosto de 2017
Como piensan los artistas compila 51 entrevistas realizadas por la periodista, editora y escritora peruana Fietta Jarque, con textos introductorios de Néstor García Canclini, Estrella de Diego y la propia autora. Gran parte de las entrevistas fueron publicadas en el diario El País, de España, donde Jarque desempeñó como periodista de 1984 a 2013.
Bajo la premisa de que "el arte contemporáneo necesita explicaciones", la autora se decanta por la argumentación de los propios artistas, considerando que sus declaraciones complementan el heterogéneo y abundante panorama de estudios especializados sobre el tema.
12 de julio de 2016
En Ornamento (2015) del escritor colombiano Juan Cárdenas la ficción y el horror de un mundo donde la recreación psicotrópica y el arte se combinan con las más oscuras pulsiones.
Idea de la ceniza (2015) de la editora, escritora y traductora venezolana María Virginia Jaua , una suerte de novela elegíaca, entre lo epistolar y lo ensayístico que narra la relación entre dos amantes.
Rostros (2011) del curador catalán Valentín Roma propone con tono ensayístico y una prosa ágil y erudita, un retrato múltiple de la fisonomía humana en el arte, incluyendo la pintura, el cine y la fotografía.
22 de abril de 2016
El Prologo sitúa el problema de la historicidad y señala los aspectos más polémicos en el debate sobre la fotografía desde su creación, distingue las corrientes dominantes en el análisis: de un lado la fotografía como huella o índice de lo real; del otro la fotografía como metáfora de la muerte o arte elegíaco. Al arribar al tercer milenio, la evolución de la tecnología digital plantea nuevos desafíos y tensiones entre la imagen y el soporte, pero también entre la materia y la información. "La tecnología digital –afirma Fontcuberta- ha desmaterializado a la fotografía, que deviene hoy información en estado puro, contenido sin materia cuyo poder de fascinación pasa a regirse por factores nuevos" (p. 12).
En la Introducción, Fontcuberta refuta la creencia muy extendida de que "la fotografía es un arte sin teóricos", explicando que en realidad muchos de sus textos canónicos habían sido olvidados y recién se están recuperando. Igualmente, cuestiona la "mala conciencia" de algunos fotógrafos contemporáneos que desdeñan la teoría. Luego el compilador procede a comentar los distintos contenidos de la publicación, entre ellos, los orígenes de la estética fotográfica, el problema de la técnica y la artisticidad, la relación de la pintura y la fotografía, el papel de la técnica en la masificación de la fotografía, etc.
En una conversación de 1933 con Warner Gräff, Raoul Hausmann establece que: “Ver y saber lo que se ve y para que se ve es hoy una de las cuestiones más importantes ..." (pp 168-169)
En el texto Del pigmento a la luz (1936) László Moholy-Nagy predijo que en el futuro "el conocimiento de la fotografía es tan importante como el del alfabeto" (p.197).
12 de enero de 2016
Publicación que ofrece una serie de reflexiones sobre el arte contemporáneo, la pedagogía, la autogestión cultural y las prácticas comunitarias, a partir de la experiencia de la Fundación Casa Tres Patios, entidad sin fines de lucro fundada en Medellin en 2005. Aborda la relación entre el arte y la comida, pues ambos crean lazos sociales. Razona el problema de los espacios independientes desde tres variables: el contexto, las personas y la incertidumbre. Distingue entre escolarización, educación y pedagogía, indicando la necesidad de conceptualizar la pedagogía artistica a partir del concepto de formación (bildung). Igualmente se analizan experiencias concretas con grupos vulnerables, niños y mujeres marginadas del sistema educativo y penitenciario. Se presentan ejemplos de cruces multidisciplinarios que combinan la literatura, la alimentacion y las artes visuales.
"El presente de las artes esta definido por la proliferación de cierto tipo de proyectos que no encajan en las lógicas tradicionales o institucionalizadas del arte, y que surgen debido a iniciativas particulares que trascienden a producciones colectivas o colaborativas" (Carlos Uribe. Espacios alternativos y práctica artística, p.p 44-45)
Son 13 textos de 8 autores, de distinta formación (antropólogos, periodistas, educadores, gestores culturales, historiadores, artistas). Incluye amplia bibliografía sobre el tema y una reseña sobre los orígenes y propósitos de la Fundación Casa Tres Patios, en tanto que una de las iniciativas independientes más vitales en Medellin.
6 de julio de 2015
Roldán Esteva-Grillet. Imágenes contra la pared: Críticas y crónicas sobre arte, 1981-2007. Fundación para la Cultura Urbana. Caracas: 2008
206 páginas
28 de junio de 2015:
13 de junio de 2015:
25 de mayo de 2015:
En Caracas, el libro se
consigue en el espacio de El Anexo/Arte Contemporáneo
9 de agosto de 2017
Fietta Jarque. Cómo piensan los artistas. Entrevistas.
Fondo de Cultura Económica, Lima, Perú, 2015.
331 páginas,
imágenes b/n y color
Como piensan los artistas compila 51 entrevistas realizadas por la periodista, editora y escritora peruana Fietta Jarque, con textos introductorios de Néstor García Canclini, Estrella de Diego y la propia autora. Gran parte de las entrevistas fueron publicadas en el diario El País, de España, donde Jarque desempeñó como periodista de 1984 a 2013.
El libro,
publicado por el Fondo de Cultura Económica en 2015, se estructura en seis
partes. Estrategias reúne a
personalidades como Josheps Beuys, Vito Acconci, Santiago Sierra, Martín
Creed, Jhon Baldesari o Cándida Höfer, cuyo trabajo constituye un desafío a lo
previsible. En carne propia
agrupa artistas que trabajan el cuerpo, la inmediatez y los simulacros,
destacando Cindy Sherman, Andrés Serrano, Marina Abramovich, Yasumasa Mirimura
y Adriana Verejao. Memoria, historia y archivos son algunas de las
preocupaciones de artistas como Christian Boltanski, Mona Hatoum, Alfredo Jaar
y Helmut Newton reunidos en la sección Silencios
que hablan. Bill Viola, Robert Longo, David Salle y Julian Schnabel
engrosan el capitulo Apariencias
inasibles centrado en los dilemas de la representación y las apariencias.
Regidas por una reflexión en torno las posibilidades y significados de
algunos materiales, las entrevistas realizadas a Sean Scully, Carlos Cruz-Diez,
Donald Judd, Sol Lewitt, Richard Deacon y Richard Serra se encuentran en la sección
En las fronteras de la forma.
Finalmente, el capítulo Arte en vez de
vida, cierra con tres artistas que se mueven en la delgada frontera del
arte y la enfermedad mental: Ángeles Santos, Yayoi Kusama y Miroslav Tichy.
Bajo la premisa de que "el arte contemporáneo necesita explicaciones", la autora se decanta por la argumentación de los propios artistas, considerando que sus declaraciones complementan el heterogéneo y abundante panorama de estudios especializados sobre el tema.
En una época donde
ya no se escriben manifiestos, las entrevistas de Fietta Jarque permiten leer
los planteamientos y obsesiones de los artistas en su propia voz. Longo dice:
ser "elegante, es la forma que tengo de ser un radical"(p. 210).
Beuys sostiene que "el arte es la única revolución que queda en el
poder" ( p. 24). Para Vostell "los enemigos del arte son los
académicos" (p. 68). Schnabel sostiene: "Algunas de las grandes
pinturas provienen de las ideas más tontas. Pero hay muchas ideas tontas que no
te llevan a ningún lugar" (p. 200). Donald Judd afirma "Creo que hoy
para la educación del artista contemporáneo es básico viajar" (p. 251).
Para más
información sobre el contenido del libro Cómo
piensan los artistas. Entrevistas ir a:
Entrevista en video con la autora en:
https://www.youtube.com/watch?v=DBjqOetsNuE 12 de julio de 2016
Editorial
Periférica (varios textos)
De la Editorial
Periférica, radicada desde 2016 en Cáceres, España, nos llegan varios
libros, gracias a la generosidad de Julián Rodríguez y a la amable mediación
del artista Iván Candeo. En todos los libros se aprecia el sello distintivo de Periférica, una editorial dedicada a
difundir a escritores iberoamericanos y “recuperar clásicos en el olvido",
que promueve textos híbridos, sin adscripción a un género preciso, en los
cuales se advierten elementos ensayísticos, epistolares, narrativos y
experimentales, de autores de diverso origen profesional (artistas, curadores,
críticos, escritores). Lo característico para estas publicaciones es su
flexibilidad creativa, así como el manejo de diversas estrategias de escritura.
Reseñamos brevemente varios de esos títulos, algunos
realizados conjuntamente con el espacio Casa
sin fin de Cáceres y Madrid:
En Ornamento (2015) del escritor colombiano Juan Cárdenas la ficción y el horror de un mundo donde la recreación psicotrópica y el arte se combinan con las más oscuras pulsiones.
Idea de la ceniza (2015) de la editora, escritora y traductora venezolana María Virginia Jaua , una suerte de novela elegíaca, entre lo epistolar y lo ensayístico que narra la relación entre dos amantes.
Rostros (2011) del curador catalán Valentín Roma propone con tono ensayístico y una prosa ágil y erudita, un retrato múltiple de la fisonomía humana en el arte, incluyendo la pintura, el cine y la fotografía.
Las
correspondencias (2010) del escritor y artista visual español Pedro G
Romero, ambientada en Venecia, nace de una frase del poeta Ezra Pound según la
cual todas las cartas hablan a la vez de amor y de dinero. Los países (2013) del mismo autor combina imágenes y textos en
torno a la aparición del paisaje como ficción de palabras.
Mapa de
sal (2010) del critico y curador cubano Iván de la Nuez, se
desenvuelve entre lo biográfico y el ensayo libre para hablar del tránsito
entre dos mundos
Feliz humo (2009)
del vídeoartista español Javier Codesal contiene un extenso poema
dividido en tres tiempos que son también los del tránsito hacia lo
irremediable, el desmembramiento y la disolución física del ser y su ausencia. Dos películas (2010) del propio Codesal
contiene reflexiones sobre el cine y el vídeo, además de un DVD con dos filmes
de corta duración grabados en 35 milímetros.
Para más información sobre las publicaciones de la Editorial Periférica ir a: http://www.editorialperiferica.com/
22 de abril de 2016
Fontcuberta, Joan (ed.) Estética fotográfica. Una selección de textos. Editorial Gustavo
Gili,SL, Barcelona, 2013.
287 páginas, imágenes b/n
El libro Incluye una selección de 22 textos escritos entre 1846 y 1965 por autores europeos, estadounidenses y latinoamericanos
como Willian Heny Fox Talbot, Paul Strand, Ossip Brik, Salvador Dalí, László
Moholy-Nagy, Edward Weston, Henri Cartier-Bresson, Alfredo Boulton, Minor
White, entre otros. Dispuestos en secuencia cronológica, los textos fueron
seleccionados por el fotógrafo, crítico y profesor Joan Fontcuberta (Barcelona,
1955), a quien corresponden el Prólogo
(2002) y la Introducción (1981).
El Prologo sitúa el problema de la historicidad y señala los aspectos más polémicos en el debate sobre la fotografía desde su creación, distingue las corrientes dominantes en el análisis: de un lado la fotografía como huella o índice de lo real; del otro la fotografía como metáfora de la muerte o arte elegíaco. Al arribar al tercer milenio, la evolución de la tecnología digital plantea nuevos desafíos y tensiones entre la imagen y el soporte, pero también entre la materia y la información. "La tecnología digital –afirma Fontcuberta- ha desmaterializado a la fotografía, que deviene hoy información en estado puro, contenido sin materia cuyo poder de fascinación pasa a regirse por factores nuevos" (p. 12).
En la Introducción, Fontcuberta refuta la creencia muy extendida de que "la fotografía es un arte sin teóricos", explicando que en realidad muchos de sus textos canónicos habían sido olvidados y recién se están recuperando. Igualmente, cuestiona la "mala conciencia" de algunos fotógrafos contemporáneos que desdeñan la teoría. Luego el compilador procede a comentar los distintos contenidos de la publicación, entre ellos, los orígenes de la estética fotográfica, el problema de la técnica y la artisticidad, la relación de la pintura y la fotografía, el papel de la técnica en la masificación de la fotografía, etc.
En una conversación de 1933 con Warner Gräff, Raoul Hausmann establece que: “Ver y saber lo que se ve y para que se ve es hoy una de las cuestiones más importantes ..." (pp 168-169)
En el texto Del pigmento a la luz (1936) László Moholy-Nagy predijo que en el futuro "el conocimiento de la fotografía es tan importante como el del alfabeto" (p.197).
Minor White en su texto El ojo y la mente de la cámara (1952) afirma que "Mientras
crea, la mente del fotógrafo esta en blanco" (p. 239). Es, según el autor,
un estado mental muy activo que permite atrapar una imagen sin tener una
"imagen preformada" (p. 239).
Alfredo Boulton en ¿Es un
arte la fotografía? (1952), luego de responder afirmativa y rotundamente a
dicha pregunta, afirma: "Existe el tema y existe el lente, pero el hombre
que mire el tema a través de su lente no es un hombre igual a todos los otros;
es el creador de imágenes, es el artífice” (p 261).
El libro viene a cubrir una necesidad postergada durante mucho
tiempo, como texto de referencia académica, así como de lectura imprescindible
para fotógrafos, artistas, críticos y público interesado en la evolución y
análisis del lenguaje fotográfico.
Para más información sobre el contenido del libro Estética fotográfica. Una selección de
textos ir a: https://thezenarcher.wordpress.com/2012/04/02/estetica-fotografica-joan-fontcuberta/
12 de enero de 2016
La
praxis y el contexto. Arte, Pedagogía y Comunidad.
Varios autores. Equipo editor Toniy Evanko, Sonia Sequeda, SaraLazarin, Adriana
Aguilar. Fundación Casa Tres Patios, Antioquia, Colombia, 2014.
Imágenes en blanco y negro.
143 páginas
Publicación que ofrece una serie de reflexiones sobre el arte contemporáneo, la pedagogía, la autogestión cultural y las prácticas comunitarias, a partir de la experiencia de la Fundación Casa Tres Patios, entidad sin fines de lucro fundada en Medellin en 2005. Aborda la relación entre el arte y la comida, pues ambos crean lazos sociales. Razona el problema de los espacios independientes desde tres variables: el contexto, las personas y la incertidumbre. Distingue entre escolarización, educación y pedagogía, indicando la necesidad de conceptualizar la pedagogía artistica a partir del concepto de formación (bildung). Igualmente se analizan experiencias concretas con grupos vulnerables, niños y mujeres marginadas del sistema educativo y penitenciario. Se presentan ejemplos de cruces multidisciplinarios que combinan la literatura, la alimentacion y las artes visuales.
"El presente de las artes esta definido por la proliferación de cierto tipo de proyectos que no encajan en las lógicas tradicionales o institucionalizadas del arte, y que surgen debido a iniciativas particulares que trascienden a producciones colectivas o colaborativas" (Carlos Uribe. Espacios alternativos y práctica artística, p.p 44-45)
Son 13 textos de 8 autores, de distinta formación (antropólogos, periodistas, educadores, gestores culturales, historiadores, artistas). Incluye amplia bibliografía sobre el tema y una reseña sobre los orígenes y propósitos de la Fundación Casa Tres Patios, en tanto que una de las iniciativas independientes más vitales en Medellin.
Para más información sobre el
libro La praxis y el contexto. Arte,
Pedagogía y Comunidad ir a: http://www.casatrespatios.org/#!publicaciones/c1dj7
6 de julio de 2015
Roldán Esteva-Grillet. Imágenes contra la pared: Críticas y crónicas sobre arte, 1981-2007. Fundación para la Cultura Urbana. Caracas: 2008
206 páginas
El libro Imágenes contra la pared: Críticas y crónicas sobre
arte, 1981-2007 del historiador y crítico de arte Roldán Esteva-Grillet se
estructura en cuatro secciones: Continente, País, Bolivariana y
Contemporaneidad. Aunque la mayor parte de las 206 páginas del volumen, editado
por la Fundación para la Cultura Urbana en 2008, están dedicadas a las artes
visuales, también se incluyen trabajos sobre teatro y música. Dichos materiales
vieron su aparición inicial en revistas, diarios, catálogos y suplementos
culturales de Venezuela, México y Ecuador, durante el lapso comprendido entre
1981 y 2007.
Ya en la nota preliminar, el autor propone una sucinta
distinción entre la crítica y la crónica. Según indica: “Un manejo ajustado de
términos técnicos a un público no profesional y la necesaria información histórica
hacen de todo texto crítico una lección de apreciación artística, sin caer en
el abc del arte” (p. XVI). “La crónica –por su parte- busca acercar ese ser
humano excepcional que es el artista a un público interesado en conocer lo que
está detrás de las obras, de las polémicas, de los cambios de gusto” (p. XVI)
Entre lo denso y lo liviano, el profesor Esteva-Grillet
exhibe una escritura directa pero cuidadosa, salpicada de humor y de ironía
explícita, sobre todo cuando los textos abordan cuestiones relativas al gusto y
las ideologías. En Bolívar Vs Macho –un texto memorable- el debate acerca de la
virilidad de El Libertador es ventilado como un combate de boxeo que concluye
con un knockout técnico. En otro artículo – De gustos y colores guzmancistas (El
Nacional, 10-03-1996) desgrana con picardía la costumbre de “aprovechar y
disponer artísticamente de los mechones conservados de los próceres” (p. 106)
en los llamados retratos “a pelo” o pinturas capilares.
El texto que da título al libro – Imágenes contra la pared (Últimas
Noticias, 15 y 30 de septiembre de 1984)- plantea un recorrido a través de la
evolución del arte mural y propone una tipología para su análisis, no sin antes
reconocer que “esa imagen contra la pared es capaz de crear un sentimiento
culposo” (p. 107).
Podríamos decir entonces que “Imágenes contra la pared” no sólo
nos remite a los avatares de una modalidad específica de la producción visual,
sino que también alude a una suerte de estado de sospecha donde lo visible es
arrinconado, interrogado y, en ocasiones, reprimido. Igualmente, el libro del
profesor Esteva-Grillet nos recuerda que también la crítica – esa ave
indiscreta y de pocos amigos – está contra la pared y sentenciada por la misma
sospecha que acosa a las imágenes.
Para mayor información sobre el libro Imágenes contra la
pared: Críticas y crónicas sobre arte, 1981-2007 de Roldán Esteva-Grillet ir a:
http://www.revistas.unam.mx/…/…/article/viewFile/20126/19116
En Caracas, el libro se consigue en el espacio de El
Anexo/Arte Contemporáneo
28 de junio de 2015:
Juan Carlos Palenzuela. Arte en Venezuela 1980-2005. Caracas, 2014.
Edición: Ana Caufman
Dirección: Editorial Jacqueline Golberg
Presentación: María Elena Ramos
Diseño: Eduardo Chumaceiro d' E.
Patrocinado por La Casa del Cerrajero
409 páginas. Imágenes a color
Juan Carlos Palenzuela (1955-2007) nunca fue un
hombre discreto. Tanto su estatura física como la frontalidad de sus criterios
impedían que su presencia fuera inadvertida. Aun hoy, y con la ejemplar
excepción de personalidades criticas como Marta Traba, Margarita D’ Amico y
Perán Erminy, Palenzuela destaca como una de las voces más controversiales y
francas de cuantas se han ocupado de comentar la escena de las Artes Visuales
en Venezuela. No escatimó coraje ni adjetivos para decir que una pieza era mala
porque así la percibía o para señalar públicamente algún gazapo editorial o
expositivo. Por supuesto, no solo utilizó la palabra para abordar obras,
autores o eventos que le parecieron cuestionables, también consiguió edificar y
eslabonar parte del itinerario artístico nacional en libros que hoy son
invaluables.
En este último tomo de “El arte en Venezuela”,
publicado póstumamente como complemento de otros textos historiográficos
dedicados a períodos anteriores o a disciplinas como la escultura y la
fotografía, Palenzuela es cronista y protagonista al mismo tiempo, participe
activo del relato lo que supone un mayor compromiso con los hechos. Eso implica
también una cercanía -a veces cómplice, en ocasiones critica- con los acontecimientos.
Muy atento al efecto de los cambios político institucionales acaecidos en el
país, en este tomo, centrado en el periodo 1980-2005, el autor reseña el papel
de eventos, organizaciones e instituciones en el desarrollo de la actividad
expositiva y aporta registros procedentes de diversos archivos, incluyendo la
copiosa documentación recopilada en el suyo.
En esta, como en otras de sus publicaciones, la
cronología de los hechos y los criterios valorativos corren paralelamente. Los
datos generales, siempre orientadores, se alternan con inmersiones detalladas
en torno a procesos o acontecimientos específicos. De esta manera, el relato
historiográfico no se reduce a la simple sucesión de eventos, como tampoco al
comentario parcial de algunos de ellos. La data, reunida sumariamente en el
cuerpo final del libro, es en realidad el contexto. El texto, en cambio, se
concentra en los aspectos más relevantes o significativos del acaecer artístico
local según el autor. Es decir, en el libro se complementan dos visiones: la
del historiador y la del critico.
Tal propósito, viene acompañado con un
amplio registro de imágenes de obras y exposiciones, recurso imprescindible
para la “reconstrucción" visual de la escena artística nacional. En
definitiva, una historia del arte es, sobre todas las cosas, una historia de
las imágenes, en cuanto dispositivos de configuración sensible.
En todo caso, el volumen está escrito
desde la plena conciencia de un tiempo de "desconcierto" y pensando
en un porvenir de "reconstrucción", cuando "la pesadilla
termine" (p. 330). Hasta entonces, dice el autor, "quedan los
documentos como fundamentos para la historia" (p. 330). Digamos que no
solo se trata de un libro sobre el pasado reciente de las artes visuales en
Venezuela, sino de un estudio que intenta brindar una plataforma documental
para el mañana, y cuya aspiración es dejar pistas para la “reconstrucción”
futura de una genealogía volátil e inestable, todavía en desarrollo.
Para más
información sobre Arte en Venezuela 1980-2005 ir a la página:: http://800noticias.com/seccion-destacados-entretenimiento_content_el-arte-en-venezuela-desde-la-optica-de-juan-carlos
13 de junio de 2015:
José Antonio Navarrete. Fotografiando en América Latina. Ensayos de
crítica histórica. Fundación
para la Cultura Urbana. Caracas: 2009
Número 76
Gráficas Lauky
Diseño de Carátula: John Lange
Diseño de Colección: ProduGráfica
Foto carátula: Federico Carlos
Lessmann
222 páginas, láminas en blanco y
negro
El libro Fotografiando en América
Latina. Ensayos de crítica histórica
(Fundación para la Cultura Urbana, Caracas, 2009) del museólogo,
investigador y curador José Antonio Navarrete reúne un cuerpo de ideas,
previamente concebidas para publicaciones especializadas y ponencias, que bajo
esta forma recobran la unidad del criterio con que fueron planteados
inicialmente. Se trata de un libro
erudito, escrito con sobriedad y precisión documental, cuyos argumentos
se erigen sobre una rigurosa metodología.
Luego del inevitable prólogo, el
autor coloca en la diana de su discurso el problemático asunto de la
construcción del campo historiográfico de la fotografía como disciplina
particular, comúnmente dividida entre las consideraciones de orden técnico y
sus connotaciones estéticas, para avanzar hacia un espectro de mayor
complejidad donde el registro fotográfico engrana con las nociones de clase,
género y etnia. En ese debate, Navarrete propone una historia de la fotografía
distinta, que intenta razonar “cómo la fotografía actúa simultáneamente, contra y por el arte, más que en un movimiento contradictorio de
enfrentamiento vs. claudicación respecto a este, en formas complicadas y
disímiles de colisiones, contactos e intercambios mutuos”. Ello supone el
reconocimiento de un campo de
estudios – la “crítica histórica”- que exige el aprovechamiento y
contextualización de diversos saberes
con vistas a una teorización plural.
Dadas las premisas señaladas, el volumen
plantea un segundo cuerpo de ensayos agrupados en torno a la fotografía y la
estructuración de los imaginarios nacionales en América Latina durante el siglos XIX y comienzos del XX. En ellos
refiere tópicos de diversa índole: las buenas maneras, los retratos de tipos
nacionales, la emergencia de los modelos identitarios en las campañas
etnográficas, arqueológicas y evangelizadoras y la representación del trabajo.
Ya en la tercera parte la hipótesis
de partida se diversifica en
distintos textos consagrados a personalidades como Eugenio Courret, Charles D.
Fredics y Muybridge, cuya presencia en distintas localidades del continente
coadyuvó a la configuración iconográfica de las mismas. Concluye el libro en el
apéndice, volviendo sobre los supuestos iniciales en torno a la configuración
de un campo de estudios históricos sobre la fotografía, fenómeno que tiene sus
orígenes entre la segunda y la tercera décadas de la pasada centuria. En este
sentido, el autor reseña los diversos esfuerzos que se han planteado en la
escena internacional y continental, tanto desde el punto de vista académico
como aquellos asociados a proyectos expositivos.
Para más información sobre
el libro Fotografiando en
América Latina. Ensayos de crítica histórica de José Antonio Navarrete ir a la página: http://www.revistasexcelencias.com/arte-por-excelencias/editorial-6/el-libro/pervivencia-de-la-fotografia
En
Caracas, el libro se consigue en el espacio de El Anexo/Arte Contemporáneo
Carlos de la Ossa. La semejanza perdida. Ensayos de
comunicación y estética. Ediciones Metales Pesados. Santiago de Chile, 2009
136 paginas
Imágenes en blanco y negro
Historiador del arte y teórico de la
comunicación, en este libro Carlos de la Ossa aborda la relación entre el
lenguaje y la imagen en la cultura contemporánea. Según afirma: "La
escritura es un espacio de triunfo y dimisión, donde lo atroz y su reverso
también comparecen …" (p.p. 13-14).
Ya en las primeras páginas del
volumen, en el ensayo titulado El
extravío de los textos, reflexiona sobre el modo en que la palabra
"ordena" y " somete" al cuerpo, ahora "entregado a la
epopeya lingüística de la publicidad y la propaganda" (p. 15).
A partir de allí, identifica y analiza
las bases económicas y simbólicas que sustentan la lógica de la comunicación,
el lenguaje y la ideas del cuerpo. "El sistema gramatical describe
procesos y consume signos; el trabajo ordena cuerpos y genera excedentes, y en
su conjunto, traman vecindades imperceptibles con las cuales la existencia se
entiende, describe y controla" (p.19).
Moviéndose entre el capital y las narrativas del cuerpo, el autor revisa la herencia modernista y sus derivaciones contemporáneas, en una trama reflexiva a la cual concurren las voces de pensadores como Walter Benjamin, Roland Barthes, Murice Merleau-Ponty, Frederic Jameson y Giorgio Agamben, entre otros.
Moviéndose entre el capital y las narrativas del cuerpo, el autor revisa la herencia modernista y sus derivaciones contemporáneas, en una trama reflexiva a la cual concurren las voces de pensadores como Walter Benjamin, Roland Barthes, Murice Merleau-Ponty, Frederic Jameson y Giorgio Agamben, entre otros.
También se pregunta el autor cómo
puede el arte combatir la "castración normativa" y "cómo liberar
en el lenguaje la realidad que el
mismo domina? (p. 91). Igualmente analiza el papel de lo biográfico y las
narrativas que lo refieren, así como " la extrapolación de lo privado a lo
público " (p.109), entendido como la "exhibición de un yo para los otros" (p. 110).
Escrito con elegante sobriedad, el
libro traza una ruta sinuosa que recorre la filosofía del lenguaje, la teoría
de la comunicación y el arte.
Para más
información sobre el autor de La semejanza perdida. Ensayos de comunicación y
estética
ir a la página: http://www.icei.uchile.cl/instituto/estructura/46661/carlos-ossa-swears
2 de mayo de 2015:
El primer capítulo comienza con un comentario relativo a una fotografía del apartamento de Huidobro en París donde aparecen, como en un gabinete de curiosidades, cuatro de los poemas pintados que exhibió en 1922 el autor de Altasor, considerado también uno de los iniciadores de la poesía visual en el hemisferio. El citado acontecimiento, da sustento a un recorrido reflexivo, articulado con prosa transparente y meticulosa, que revisa y contextualiza el tema. Se trata de un volumen fundamental para quienes se interesan por el origen, evolución y significados de este movimiento plástico-literario a escala continental.
13 de abril de 2015:
6 de abril de 2015:
23 de marzo 2015:
Alberto Madrid Letelier. Gabinete de lectura. Poesía visual chilena. Ediciones Metales Pesados,
Santiago de Chile, 2011
171 paginas
Imágenes b/n y color
171 paginas
Imágenes b/n y color
El libro Gabinete de lectura. Poesía visual chilena del teórico y crítico
Alberto Madrid propone "una tipología de soportes y procedimientos sobre
las prácticas en que se relacionan la palabra y la imagen" (p. 5). El
libro se estructura en dos partes. En la primera de ellas se recogen los
pormenores de la investigación, que fija como antecedente un proyecto de poesía
visual de Vicente Huidobro fechado en 1922, así como los postulados de la
agrupación literaria Mandrágora, el trabajo de Nicanor Parra y las producciones
icono textuales de Raúl Zurita, Carlos Altamirano, Eugenio Dittborn y Carlos
Leppe. La segunda parte corresponde al registro de la exposición homónima,
realizada en la librería Metales Pesados de Santiago de Chile en 2008,
oportunidad en que se presentaron obras (collages, objetos encontrados, libros,
fotografías) de Guillermo Deisler, Martín Gubbins, Anamaría Briede, Martín
Bakero, Sybil Brintrup, Juan Luis Martínez, Gonzalo Millán y Cecilia Vicuña.
El primer capítulo comienza con un comentario relativo a una fotografía del apartamento de Huidobro en París donde aparecen, como en un gabinete de curiosidades, cuatro de los poemas pintados que exhibió en 1922 el autor de Altasor, considerado también uno de los iniciadores de la poesía visual en el hemisferio. El citado acontecimiento, da sustento a un recorrido reflexivo, articulado con prosa transparente y meticulosa, que revisa y contextualiza el tema. Se trata de un volumen fundamental para quienes se interesan por el origen, evolución y significados de este movimiento plástico-literario a escala continental.
Alberto Madrid Letelier es doctor en
Filología Hispánica y académico e investigador de la Facultad de Arte de la
Universidad de Playa Ancha, Valparaíso, Chile. Su línea de investigación se
centra en la relación de la literatura y las artes visuales.
Para más información
sobre Gabinete de lectura. Poesía visual chilena ir a la página: http://www.metalespesadosvisual.cl/gabinete-de-lectura-poesia-visual-chilena/
Para acceder a temas
relacionados (documentos,
imágenes, cronología, bibliografía) ir a: http://www.memoriachilena.cl/602/w3-article-31579.html#presentacion
En Caracas, el libro se
consigue en el espacio de El Anexo/Arte Contemporáneo
Milena Bonilla. El capital/Manuscrito siniestro. Arts Coming, Barcelona, España,
2013.
Español, 356 páginas, blanco y negro
Impresión digital
50 ejemplares
22,5 x 16 cm
En El Capital/Manuscrito siniestro,
publicación de 356 páginas realizada en 2013 por Ars Coming (Barcelona, España), Milena Bonilla (Bogotá, 1965)
transcribió el texto de Carlos Marx con la mano izquierda. Siendo diestra, los
errores y torpezas de este ejercicio convierten el texto en un “dibujo” casi
ilegible, que se revela como trazado de una imposibilidad discursiva. En la
presentación a la primera edición del libro se lee: “el disenso es más temido
que la mentira” (p. 13).
El proyecto
fue llevado a cabo a partir de la Beca de Creación para la Producción de Libro-Arte
del Ministerio de Cultura de Colombia, planteándose tres modalidades para su
circulación: una edición de lujo para coleccionistas, otra intermedia para
interesados de menor poder adquisitivo y una tercera para ser introducida como
publicación pirata en los circuitos
informales, con lo cual se ironiza con los sistemas de circulación del mercado
editorial de ideas.
En 2013 la
obra fue incluida en la exposición “Diversionismo ideológico (Galería Nuble,
Santander, España), curada por Wendy Navarro.
Para más
información sobre El Capital/Manuscrito
siniestro ir a las páginas:
Milena Bonilla (Bogotá, 1965), realizó
estudios en la Universidad Jorge Tadeo Lozano,
Visual Arts, Bogotá, 2000 y en Rijksakademie van beeldende kunsten, Amsterdam,
2010. Trabaja en diferentes medios, combinando la fotografía, la instalación,
el video, la performance y el dibujo.
6 de abril de 2015:
Nydia Gutiérrez. El Sujeto
vulnerable 2. Nociones psicoanalíticas al tamiz de la obra de Miguel Ángel
Rojas. Ministerio de Cultura, República de Colombia, 2013
Español
162 páginas
Imágenes a color y blanco y negro
Publicado por el Ministerio de Cultura de Colombia, el libro El Sujeto vulnerable 2. Nociones psicoanalíticas
al tamiz de la obra de Miguel Ángel Rojas forma parte de la Colección
Artistas Colombianos, resultado de las Becas de Investigación Monográfica que
otorga la institución desde 2011.
El estudio de Nydia Gutiérrez confronta la obra artística de Miguel Ángel
Rojas (Bogotá, 1946) con algunas nociones freudianas y lacanianas, de cara a
problemas del entorno colombiano como la marginación sexual, las secuelas de la
violencia armada y la ambivalencia moral de las políticas antidrogas. Según la autora, Rojas trabaja estos
asuntos desde la vulnerabilidad del sujeto y su impacto en el cuerpo, en un
complejo juego de exposición y ocultamiento.
Luego de repasar en la introducción los diferentes estudios previos
sobre la trayectoria de Rojas, el capítulo Puntos
de resonancia explora el contexto histórico y artístico que enmarca su
obra. En la sección Siembra en tierra
ajena se analizan las
propuestas iniciales del artista en gráfica, dibujo y fotografía,
destacando trabajos con imágenes del cuerpo alusivos a la identidad sexual como
“Autorretrato serial” y “Autorretrato fragmentado”, ambos de 1972-1973. Sobre
estos dice Rojas: “En esos espacios sórdidos de mis más oscuros deseos encontré
la fuerza para sustentarme como artista” (p. 40). La parte identificada como Tiempo interior aborda la teoría de la
retroactividad psicoanalítica para el análisis de los procesos de anticipación
y reconstrucción de la memoria personal que en el caso de Rojas retoma las imágenes
borrosas de su primera juventud y su acercamiento al erotismo reprimido de los
teatros bogotanos como sucede en “Los revelados parciales” y “Via Láctea”
(1979-2004). El apartado Los lugares de
la vulnerabilidad se encuadra en la concepción lacaniana sobre la
construcción del narcisismo y la figura del héroe masculino, donde se ubica la
conocida serie fotográfica de “El David” (2004), un joven excombatiente con la
pierna mutilada. Sobre esto, dice Rojas “entendí muy bien que lo humano es
también político” (p. 112). En la parte titulada La fascinación de lo real, siempre enmarcada en las tesis de Lacan
y Foster, se enfoca la manera en que los trabajos hiperrealistas de Rojas
pretenden “domar la mirada”, en la medida en que la obra no rivaliza con las
apariencias sino con lo que Platón designa como Idea. Sirven como ejemplos las
obras “Fragilidad” (1999) y “Naturaleza muerta” (2005-2007) en las cuales
combina materia descompuesta (pescado) y falsas naturalezas (rosas de tela, hojilla
de oro, etc.). En las Consideraciones
finales Nydia Gutiérrez deja
sentada una valoración reflexiva sobre el significado de la obra de Rojas en la
constitución de la mirada artística en la primera década del siglo XXI, nadando
entre la vulnerabilidad del sujeto y los condicionamientos de su contexto,
vistos en su complejidad y ambivalencia.
Para mayor información sobre el libro El Sujeto vulnerable 2. Nociones psicoanalíticas al tamiz de la obra de
Miguel Ángel Rojas ir a:
23 de marzo 2015:
Lecturas recomendadas
Maricela González Cruz Manjares. La
Polemica Siqueiros-Rivera: Planteamientos Estetico-Politicos 1934-1935. Museo Dolores Olmedo Patiño, México, 1996.
Español
170 páginas
Imágenes b/n
El libro La Polémica
Siqueiros-Rivera: Planteamientos Estético-Políticos 1934-1935 de Maricela González Cruz
Manjares
consta de cuatro partes: la descripción de polémica, las determinantes
históricas e ideológicas, los planteamientos políticos derivados de la polémica
y los planteamientos estéticos del arte y la cuestión nacional. Contiene también unas breves
conclusiones y un apéndice documental.
Publicado en ocasión del centenario del natalicio de David Alfaro
Siqueiros (Chihuahua, 1896-Cuernavaca, 1974), la publicación analiza los
pormenores de la polémica con Diego Rivera (Guanajuato, 1886-Ciudad México,
1957). Según la autora del estudio, en aquella oportunidad se “confrontaron al
interior de la izquierda distintas posiciones políticas, diversas formas de
asumir el arte, de incorporarse a su momento histórico” (p. 13).
Aunque fueron fundadores de El Machete, órgano oficial del Partido
Comunista Mexicano, ambos artistas fueron expulsados de la organización: Rivera en 1929 por sus vínculos con el
trotskismo y Siqueiros en 1930 por indisciplina. La controversia vino a
demostrar que la corriente muralista no fue homogénea, pese a que sus miembros
coincidían en postular un arte de propaganda basado en el “compromiso” social.
El debate se desencadena cuando en 1934 Siqueiros publica el
artículo “El camino contrarrevolucionario de Rivera” (Revista New Masses, 29 de
mayo de 1934) donde critica la obra y posición política de Rivera, quien
responde en agosto de 1935 cuando los dos se encuentran en unas jornadas
culturales organizadas por la Secretaría de Educación Pública en el Palacio de
Bellas Artes de Ciudad México.
Siqueiros acusó a Rivera de oportunista e individualista,
cuestionándole que no tuvo una postura crítica frente al Estado y lo ataca por
su relación con sectores reaccionarios. También arremete contra su producción
mural, caracterizada (según él) por su atraso técnico, su nacionalismo
reductivo y su pintorequismo complaciente (p.p. 34-35). Rivera responde por
escrito en diciembre de 1935 en el texto “Defensa y ataque contra los
stalinistas”. Desde el punto de
vista político, reitera su postura trotskista, al tiempo que cuestiona el
burocratismo y el dogmatismo stalinista. También acusa a Siqueiros de ser un
oportunista que trata de hacer méritos para regresar al Partido Comunista
Mexicano. Se defiende, afirmando que los sectores que compran su obra lo hacen
por el valor plástico y que esto ayuda a violentar los intereses de clase.
La diatriba se desarrolló ente una audiencia compuesta por
artistas, miembros de sindicatos, periodistas, estudiantes, profesores y
críticos de arte. El contenido de
las intervenciones se publica en medios impresos de la época pero por separado.
No es hasta 1974 que Raquel Tibol lo incluye en su compilación “Documentación
sobre el arte mexicano” (Fondo de Cultura Economica, 1974).
Para mayor información sobre La
Polemica Siqueiros-Rivera: Planteamientos Estetico-Politicos 1934-1935 ir
a:
16 de marzo 2015:
Claire Bishop.
Radical Museology: Or What's Contemporary
in Museums of Contemporary Art. Whith drawings by Dan Perjovschi. Koning
Books, London, 2013
Inglés
79 páginas
Imágenes a color y
b/n
Radical Museology: Or What's Contemporary in
Museums of Contemporary Art? de
Claire Bishop parte de un texto de Rosalind Krauss titulado “The cultural logic
of the late capitalismo museum” (1990), quien comenta que la obra de arte en la
postguerra quedó subordinada al contenedor arquitectónico, entendido como la
encarnación populista de un templo del entretenimiento en el cual el espectador
queda seducido por la magnificencia del espacio, antes que por la obra.
Sin embargo,
sostiene Bishop, hoy los modelos museísticos han tomado una forma más experimental,
menos determinados por lo arquitectónico y más orientados hacia lo público.
Desde su óptica, los museos actuales están proponiendo una relectura
multi-temporal de la producción artística, fuera de los marcos disciplinares,
optando por la inclusión a escala global, y actuando de manera
contra-hegemónica (p. 56). Igualmente considera que los museos son la expresión
de lo que consideramos importante en materia cultural, por tanto también son un
lugar para el debate y la reflexión sobre nuestros valores (p. 61) Para
argumentar este desplazamiento, la autora analiza las actividades de tres
museos: The Van Abbemuseum (Paises
Bajos), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España) y Msum Ljubljana
(Eslovenia).
Para Bishop, en el
museo actual se oponen dos sistemas de valores: de un lado el museo como
espacio de reflexión cultural e histórica; del otro, el museo como repositorio
del narcisismo filantrópico. Pensar en este impasse es crucial para considerar
el destino futuro de los museos de arte contemporáneo.
Para mayor
información sobre el libro Radical
Museology: Or What's Contemporary in Museums of Contemporary Art? ir a:
9 de marzo 2015
Project
Room. Regina José Galindo: Vulnerable. Museum of Latin American Art- MoLAA,
Long Beach, 2012
Catálogo de exposición
Inglés-Español
29 páginas
Imágenes a color
Project
Room. Regina José Galindo: Vulnerable,
publicación bilingüe (inglés-español), realizada por el Museo de Arte
Latinoamericano de Los Ángeles, USA, en 2012, en ocasión de la exposición de
esta artista de la performance nacida en Guatemala en 1974. El volumen de 29 páginas
y con reproducciones a color de varias acciones de la autora, incluye una
entrevista con Idurre Alonso, curadora de la muestra, donde Galindo comenta
sobre el papel del riesgo físico y psicológico en sus acciones. Dice: “Algunos
performances tienen una dosis de riesgo más alta que los otros, pero en la
medida de lo posible todo riesgo debiera ser minimizado a fin de no desviar el
sentido de la acción. La tensión por el contrario, si es valiosa. Ayuda a crear
una emoción más profunda en el público. Provoca, y la provocación si que es un
buen conductor de respuestas. Al fin y al cabo, eso es lo que los artistas
quieren: provocar (…) Quieren incomodar, despertar preguntas, discusiones” (p.
22).
Igualmente, en la publicación se encuentran
textos de la artista donde se cruzan lo poético y lo político, sustentados en
la relación del cuerpo, el género y el contexto. En uno de ellos se lee:
Miedo
de
parecerte fea
de
parecerte tonta
de
parecerte puta
de
parecerte
más que nada
de parecerte
Para más
información sobre Project Room. Regina José Galindo: Vulnerable ir a la página:
2 de marzo 2015
Cildo
Meireles. Editorial Alias. Primera reimpresión. Ciudad México, 2010
Español
208
páginas
Reproducciones
en blanco y negro
Publicación
independiente, impresa en México
en 2010, al cuidado de Alias, proyecto editorial de Damián Ortega, que reproduce el catálogo de la
exposición homónima realizada en el IVAM-Centre del Carme, Valencia, España, en
1995.
La
diagramación del libro está “montada” como un cuaderno de recortes
fotocopiados, organizado por fragmentos irregulares en los que se aprecian
saltos y rupturas en la alineación de los bloques de contenido.
En
sus 205 páginas incluye un amplio número de proyectos e imágenes de obras en
blanco y negro de Cildo Meireles
(Rio de Janeiro, 1948), quien afirma que “la brasilidad es más un ansia
que una cuestión”, para luego concluir que “… la locura no tiene nacionalidad.
Es como la miseria’ (p. 41).
El
libro arranca con un texto introductorio de Bartomeu Marí sobre el manejo del
concepto de instalación en el artista. Luego sigue una entrevista realizada por
Nuria Enguita en 1994. Allí
Meireles relata los pormenores de su formación artística a fines de los años
cincuenta e inicios de los sesenta y las tensiones desencadenadas por el
derrocamiento del régimen constitucional en Brasil en 1964, lo cual incide en
su toma de posición frente a las circunstancias. “Lo que pasa –dice- es que hubo un momento en que los
acontecimientos políticos y sociales nos atropellaron, no a mi, sino a toda la
sociedad brasileña” (p. 31). En
dicha entrevista comenta también la compleja relación que se establece entre la
utopía moderna y el régimen autoritario: “… siempre había alguien controlando …
el inicio de una aglomeración” (p. 26). Refiere que con la serie “Inserciones
en los circuitos ideológicos” (Coca-Cola y Billetes) de 1970 “quería crear un mecanismo de expresión
del sujeto frente a la sociedad (…) sería una práctica individual en escala
industrial” (p. 29). Igualmente habla de la aridez de
ciertos conceptualismos y reivindica el valor de la seducción o “envolvimiento seductor” del arte. De
ahí su énfasis en la inmediatez y la comunicación con el “no especialista”.
Sostiene que “la única posibilidad de permanencia de una obra es la memoria. La
transitoriedad del tiempo no implica no permanencia. Esa posibilidad aumenta en
la medida en que la memoria se hace más colectiva” (p. 29).
En
una entrevista de 1980 con Antonio Manuel, también reproducida en el libro,
Meireles analiza el problema de la fisicalidad de la escultura, epecialmente la
relación entre el volumen y la
masa, un aspecto que según su óptica siempre se ha escamoteado para darle más
importancia a aquello que estaba representado: “en sí misma, aquella masa ya
era alguna cosa (…) que incluso significaba más que lo que estaba representado”
(p. 60)
Para
mayor información sobre el libro y ver algunos fragmentos del mismo ir a:
20 de febrero 2015:
Materialismos.
Hélio Oiticica. Selección
y traducción: Teresa Arijón, Bárbara Belloc. Ediciones Manantial SRL, Buenos
Aires, 2013
Español
187 páginas
Fotografías en blanco y negro
La publicación de 187 páginas reúne
entrevistas y escritos programáticos de Hélio Oiticica (Río de Janeiro,
1937-1980). Teresa Arijón, una de
las compiladoras, hace una “breve y pasional” introducción, donde afirma que
Oiticica “escribió a ritmo de mano
alzada con trazos vigorosos-voluptuosos-vertebrados” (p. 10). Por su parte,
Renato Rezende, miembro del equipo editor, reseña los principales eventos de la
biografía del artista, desde sus vínculos
con el neoconcretismo en 1959, su encuentro con el Barrio de Mangueira
en Río de Janeiro y la creación del primer Parangolé en 1964 (año del golpe
militar que mantuvo a Brasil en dictadura por dos décadas). Luego el viaje a Londres
en 1969 donde expone en la Whaitechapel Gallery con curaduría de Guy Brett y su posterior traslado a
Nueva York. Finalmente, el retorno a Brasil en 1978 y su fallecimiento en 1980
a causa de un accidente cerebro vascular.
Luego de los textos introductorios el
libro se divide en dos partes. En la primera se reúnen entrevistas con Marisa Álvarez
Lima, Guy Brett, Lygia Pape, Heloisa Buarque de Holanda, Carlos Alberto M.
Pereira y Jorge Guinle Filho. En la segunda parte se reúnen escritos del
artista donde reflexiona sobre el arte, lo político y lo ético, además de
enfocar los aspectos conceptuales que subyacen en sus metaesquemas, núcleos, bólidos, antibólidos, penetrables
y parangolés.
A lo largo de esas páginas, Oiticica
reivindica las ideas de Nietzsche, Sartre y el psicoanálisis, además de
rememorar el legado de su abuelo anarquista. Sus textos son consecuentes con las principales divisas
intelectuales del autor quien incitaba a
“experimentar lo experimental”.
He aquí algunas de sus ideas:
“El arte siempre tiene un carácter político,
principalmente cuando se trata de algo altamente experimental, que propone un
cambio” (Sobre las patrullas ideológicas -Entrevista-, 1980, p. 79)
“Hay que entender que una posición
crítica implica, inevitablemente,
ambivalencias; estar dispuesto a juzgar, juzgarse, a optar, a crear, es estar
abierto a las ambivalencias, ya que los valores absolutos tienden a castrar
cualquiera de esas libertades”
(Brasil Diarrea, 1973, p. 114)
“La libertad moral no es una nueva moral,
sino una especie de antimoral que se basa en la experiencia de cada quien: es
peligrosa y acarrea grandes infortunios, pero jamás traiciona a quien la
practica: simplemente le da a cada uno su propia tarea, su responsabilidad
individual” (Anotaciones sobre el Parangolé, Julio de 1966. Posición ética, p. 140)
Para mayor información sobre el libro Materialismos.
Hélio Oiticica ir a:
